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艺术作品往往被视为一座城市的文化输出,它能带给大众的远超于视觉上的感受。而美术馆则是扮演着承载这些艺术作品的关键容器。美术馆作为城市公共建筑,策展内容的多元及频密能提高社会接收艺术的便利。
文:吕蕙妡(运营“草稿嘛嘛档” podcast,杂志策划编辑)
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从多看“艺术”开始,慢慢看懂“艺术”
你是如何发掘自己的艺术天分?是在某节美术课被老师称赞?或是老师称赞了其他同学,在观察了他们的作品之后,慢慢“模仿”训练而成?这是我在求学时期对“艺术天分”的认知:从一开始观察他人对美丽事物的辨识,到学会揣测大众的喜好而模仿出“美”的作品。在大学毕业以前,我对“美”的认知,都是身边的人对美的形容,而不是我对“美”的独立见解。
但我认为艺术天分其实也和其他科目一样,可以靠后天培养,可以通过多看艺术作品,提高个人对艺术的敏锐度,从中更了解艺术的美。艺术的美是有个性的、有诗意的、有情绪的,更是一门学问。每个艺术家背后都有他的创作故事,而艺术作品是故事的呈现。当艺术作品放置在一个空间里,空间的场域设计往往将影响观看者接受到的创作者情绪。
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社交媒体上“艺术空间”vs承载“艺术”的实体空间
科技的发达真的可以让我们不需要到实体空间,只用视觉体验艺术吗?其实不然。社交媒体上所见的艺术作品,只能通过照片或影像的形式局部呈现于大众,并配上文字解说。这些文字描述只能提供想像空间,远不及亲身到现场体验。
在北京求学时,有幸能看到的安尼施·卡普尔(Anish Kapoor)(以下文章将简称卡普尔)个展。卡普尔的作品,运用的颜色及材料带来极强的视觉冲击以外,更具有代表的是作品与人的尺度感、空间感及身临其境的五官体验。
在看卡普尔的个展之前,我是因为他在芝加哥千禧公园(Millennium Park)的巨型装置艺术——云门(Cloud Gate),而开始关注他的作品。他巧妙地运用了不锈钢板光滑的表面呈现出镜面效果,而作品表面的弧度达到了哈哈镜的效果。游客在镜面的反射下看到了扭曲的自己及整个城市的轮廓,成就了人与作品的对话及互动。对我而言,云门不只是装置艺术,而是在这片公园里的一个聚集地、一个标志性的地标,甚至是一个技术的展现。当艺术不只是简单的表达艺术家的情绪,而是呈现于世人后所带来的更多对空间和艺术的想像。
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2019年有幸亲临卡普尔在北京中央美术学院美术馆的个展,美术馆的入口大厅摆放着他2013年的作品“Symphony for a Beloved Sun”。红色大型圆形装置两旁有着载送方形蜡块的轨道,高度不一。每隔5分钟,轨道就会随机把几块蜡块送往圆形中心,但在末端会直接掉落在地上,而地上早已铺满了蜡块。撇开作品本身背后或许隐藏着的政治符号,它给我的启发更像是蜡块象征着社会里的人类,已被轨道单一路线安排得明明白白。轨道像是人生一样,单向行驶,直到轨道尽头掉下之际划下句点,毫无反抗之力地坠落。而像是象征着“太阳”的圆形大型装置就像是给予希望的能量,被载送的蜡块随着时间缓慢地载送至希望,以为自己更靠近希望的时候,还是在轨道的末端,和其他蜡块一样,狠狠地被现实毁灭了希望。而遍地的蜡块,仿佛在讽刺掉下的蜡块并不是先例。蜡块散发出蜡香,像是每个“生命”散发出的束手无策。作品对我本身而言,透漏出了世事的无奈,同时象征“太阳”的圆形装置有着它存在的必要,因为每个人必须有着虚构的“希望”,让人生可以继续直奔它应该有的终点。
“Symphony for a Beloved Sun”是所有展出作品中我最为印象深刻的作品之一,而美术馆的大厅设计为此作品的呈现锦上添花。大厅的一侧是通往二层的坡道。在坡道上能从不同的高度及角度去观赏轨道的运行及蜡块的动向,丰富了整体的五官体验。大厅的高挑空间让蜡块坠落时发出的声音更好地迂回于空间之中。这也让我开始思考,一个好的建筑空间能更好地承载及呈现艺术作品,让观看者的体验更多元。这也只有实体空间能赋予的体验,是网上看展所不能及的身临其境。
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马来西亚看不见的美术馆
著名的建筑艺术家奥拉佛·艾里亚森(Olafur Eliasson)曾在某次访问中提到,“我希望来看我的展的人,在看展时不是踏入某个我虚构出来的梦境,但离开展区时又回到了现实生活,而是在看展时,能以更高维度去体验更接近现实的赤裸。”
艺术作品往往被视为一座城市的文化输出,它能带给大众的远超于视觉上的感受。而美术馆则是扮演着承载这些艺术作品的关键容器。美术馆作为城市公共建筑,策展内容的多元及频密能提高社会接收艺术的便利。纵观马来西亚美术馆数量及展区规模,多以私人小规模经营为主,少有现象级的传播和社会讨论。
在马来西亚谈及“艺术”,很多人抱有敬而远之的心态,很常觉得自己没有艺术细胞,不配拥有鉴赏“艺术”的能力,而不想了解“艺术”。大众很常把绘画能力视为衡量一个人是否有艺术天分的标准,但更应该提高的是整体社会对艺术作品的鉴赏能力,才有更多对公共艺术的包容,才可能激发更丰富多元的创作环境。
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