【科技助力电影造梦／01：发展变革篇】当影视遇上科技…… 电影梦工厂百年革命

“于是，就有人想着怎么让照片动起来？开始有了‘1秒24格’，照片动起来了。”新纪元大学学院戏剧与影像系高级讲师梁友瑄解释说。

电影诞生于19世纪末，最开始出现的是动态图像，1878年英国埃德沃德·迈布里奇的《飞驰中的萨利·加德纳》以及1888年路易斯·普林斯放映的《郎德海花园场景》，但是真正走入公众视野的，是1895年卢米埃尔兄弟在巴黎公映的短片《火车进站》。

“在电影史会谈到的是，那时候火车突然出现在投影的布幕上呼啸而过，在场的观众吓得躲起来，因为他们从来没看过，觉得火车将穿过白幕撞到他们。”

一开始卢米埃尔兄弟的“电影”多是日常生活内容，比如婴儿喝汤、工人离厂、拆墙等等，渐渐地尝试加入戏剧元素，探索更多可能依然没有结果，一直到法国魔术师梅利耶（Georges Méliès）发现停机再拍技术，充分地发挥创意，实现了转场特效，令人惊艳非常。

他的经典电影《月球旅行记》是搭景拍摄，运用爆破，让人在现场“消失”。

“当时使用底片拍摄。先是一个人跳下来，然后下一张底片是爆破‘嘣’的一声，烟雾弥漫，再下一张底片便是人就不见了，特效就完成了。”

“这也让很多观众意识到电影是可以通过剪辑来叙事的。当然，前提还是要有想像力。”

接着，电影工作者尝试在底片上彩绘、上色，1906年英国人乔治‧艾伯特‧史密斯创建Kinemacolor，通过红色和绿色的滤镜投射电影，以模拟出电影画面使用的实际颜色。

一直到1935年，公认的第一部彩色电影《浮华世界》上映，此后彩色电影渐渐成为主流，黑白电影则成为艺术创作的选项。

无声到有声，默片从此“沉默”

早期的电影，多以无声电影的“默片”形式为主，但实际上有声电影在1900年已经出现，只是同步声音技术并不成熟，因此并无大量使用。

“要收音，就要在演员身上别话筒，接电线，收音的机器发出的声音又很吵杂，还要特意给它搭棚。”

由于诸多限制，导致无声电影时代的导演和演员，包括卓别林都很反对并且质疑有声电影的必要。

“演员身上的话筒电线连接在摄像机，没法灵活移动，以至于拍摄的镜头有限，也限制了剪辑。”

当时有声电影一直不被看好，直到1927年第一部有声故事片《爵士歌手》上映，掀起了翻天覆地的变化，此后无声电影日渐式微，最终退出历史舞台。

此外，还有一些工种也跟着无声电影一起消失。

当时默片在播放时，影院老板会雇用讲评人在旁叙述故事、补充人物角色的对白，尔后字幕取代讲评人的功能，影院老板亦会请乐师随着电影情节播放音乐，或让钢琴师、风琴师伴奏。

有声电影崛起后，影院里的乐师也就随着无声电影销声匿迹。

从4：3到16：9，将观众拉回到大银幕

梁友瑄说，曾经的电影画面比例是4：3，呈接近正方形，之后渐渐越来越宽，演变成如今的16：9，实际上是为了划清与电视之间的界线。

“电视出现后，电影院流失了一大批观众。大家会认为，我可以在家舒舒服服看电影，为什么要去影院？”

因此，电影工作者就思考，改变画面的尺寸，改善观影者的视听享受。

“所有科技的发展，都是为了让观众再次走入电影院。”

这也包括后来的3D、4DX、D-Box、ScreenX等等，均是为了区别影院和家中观影的感受，带给观影者在家里无法享受到的体验。

“从黑白到彩色，从无声到有声，是他们（电影工作者）想要贴近人类视听经验的过程。”

她认为，科技是人生命的延伸，比如VR（虚拟实境，virtual reality）、AR（扩增实境，Augmented Reality）、MR（混合实境，Mixed Reality），甚至是XR（延展实境，Extended Reality）等技术，是考量如何还原人类真正的视听感受。

“康城影展近年来就推出XR的单元，在探索国外的XR市场。（这些技术）为的就是沉浸式的体验。”

怀念胶片时代的拍摄氛围

早期的影视片是由胶片拍摄的，梁友瑄解释胶片和数位的成像原理不同，前者是粒子，不同的胶片再经过不同的人冲洗，影像的质感会因冲洗药水、曝光手法而异，比较具有生命力。

“后者成像方式是101010，所有的东西很精准。”

“（胶片）可能会有一点瑕疵，可是你知道这是很鲜活的。”

就像CD的歌声和现场的歌声，前者完美无瑕，后者可能会破音、跑调，一次性的艺术也许会有些残酷，可是感染力却是前者难以匹敌。

只是，随着数位技术的发展，数位和胶片予人视觉观感的些微差异还存在吗？

“几乎没有。”资深摄像师陈伟团说。

这话一出口，顿时让我有些愕然，好像跟我想像的答案不一样？

他指出，现在的数位有办法做出胶片感，而其实所谓的胶片感，是一种仪式感和浪漫主义。

尽管如此，他却很怀念胶片时代。

“不是在观影上，是在工作上。它（胶片）是很麻烦，没有那么方便，技术门槛高，可是也因此，整个工作现场的气氛不一样，所以我很怀念。”

他慨叹，进入数码时代之后，很多时候导演甚至没想好怎么拍，就已经开始拍摄，觉得不好才调整。

在胶片时代，导演一声“开拍”，胶片转动发出的“哒哒哒”声，就意味着金钱开始燃烧，现场所有人全神贯注地投入眼前的工作，为同一件事进入高度集中的状态，现场一片肃静，氛围格外地神圣。

“这种专注的氛围，是我很久没有感受过的了。”

胶片的温度：让电影人严谨对待拍摄

尽管数位已成为影视领域的主流，但这不意味着胶片失去存在的意义。

梁友瑄认为，经历过胶片时代的影视工作者，其工作模式和思维与数位时代的人们有显著区别。

“真正经历过胶片时代的摄影师，拍摄前会做完所有测试再决定哪套方案，会相对严谨。他们知道自己资源有限，可能只有那么一次机会。”

“现在则是‘拍了再算’，拍了一堆再慢慢挑，然后再交给后期处理，可是有一些是后期都救不到，因为前期没有很好的拍摄计划。”

另外，胶片的高分辨率以及格式的统一，只要保持得当，无论再老的电影也能通过扫描底片或胶转磁技术修复，转制成高清格式，这是胶片的先天优势。

基努‧李维斯2012年推出的纪录片《阴阳相成》（Side by Side）就胶片和数位之争，邀请了许多知名导演、影视工作者探讨交流。

其中《出租车司机》导演马田‧史高西斯在影片中提到：“我所担心的是现在大规模使用CGI，我们的年轻人也许不会再相信银幕上的任何东西了。”

至今依旧坚持使用胶片拍摄电影，《盗梦空间》导演克里斯托弗·诺兰认为，胶片成像的颗粒感是数码影像无法复制的独特魅力。

然而，他们却无法阻止胶片逐渐没落。

梁友瑄则表示，其实大家都知道胶片的发展已经到了顶点，而数位技术发展迅速，可能性无穷无尽，尚未看到尽头。

“不妨用一个开放的态度去看各种新科技的进展，但不一定需要特别追捧它，而排斥旧的技术。”

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