【科技助力電影造夢／01：發展變革篇】當影視遇上科技…… 電影夢工廠百年革命

“於是，就有人想著怎麼讓照片動起來？開始有了‘1秒24格’，照片動起來了。”新紀元大學學院戲劇與影像系高級講師梁友瑄解釋說。

電影誕生於19世紀末，最開始出現的是動態圖像，1878年英國埃德沃德·邁布里奇的《飛馳中的薩利·加德納》以及1888年路易斯·普林斯放映的《郎德海花園場景》，但是真正走入公眾視野的，是1895年盧米埃爾兄弟在巴黎公映的短片《火車進站》。

“在電影史會談到的是，那時候火車突然出現在投影的布幕上呼嘯而過，在場的觀眾嚇得躲起來，因為他們從來沒看過，覺得火車將穿過白幕撞到他們。”

一開始盧米埃爾兄弟的“電影”多是日常生活內容，比如嬰兒喝湯、工人離廠、拆牆等等，漸漸地嘗試加入戲劇元素，探索更多可能依然沒有結果，一直到法國魔術師梅利耶（Georges Méliès）發現停機再拍技術，充分地發揮創意，實現了轉場特效，令人驚豔非常。

他的經典電影《月球旅行記》是搭景拍攝，運用爆破，讓人在現場“消失”。

“當時使用底片拍攝。先是一個人跳下來，然後下一張底片是爆破‘嘣’的一聲，煙霧瀰漫，再下一張底片便是人就不見了，特效就完成了。”

“這也讓很多觀眾意識到電影是可以通過剪輯來敘事的。當然，前提還是要有想像力。”

接著，電影工作者嘗試在底片上彩繪、上色，1906年英國人喬治‧艾伯特‧史密斯創建Kinemacolor，通過紅色和綠色的濾鏡投射電影，以模擬出電影畫面使用的實際顏色。

一直到1935年，公認的第一部彩色電影《浮華世界》上映，此後彩色電影漸漸成為主流，黑白電影則成為藝術創作的選項。

無聲到有聲，默片從此“沉默”

早期的電影，多以無聲電影的“默片”形式為主，但實際上有聲電影在1900年已經出現，只是同步聲音技術並不成熟，因此並無大量使用。

“要收音，就要在演員身上別話筒，接電線，收音的機器發出的聲音又很吵雜，還要特意給它搭棚。”

由於諸多限制，導致無聲電影時代的導演和演員，包括卓別林都很反對並且質疑有聲電影的必要。

“演員身上的話筒電線連接在攝像機，沒法靈活移動，以至於拍攝的鏡頭有限，也限制了剪輯。”

當時有聲電影一直不被看好，直到1927年第一部有聲故事片《爵士歌手》上映，掀起了翻天覆地的變化，此後無聲電影日漸式微，最終退出歷史舞臺。

此外，還有一些工種也跟著無聲電影一起消失。

當時默片在播放時，影院老闆會僱用講評人在旁敘述故事、補充人物角色的對白，爾後字幕取代講評人的功能，影院老闆亦會請樂師隨著電影情節播放音樂，或讓鋼琴師、風琴師伴奏。

有聲電影崛起後，影院裡的樂師也就隨著無聲電影銷聲匿跡。

從4：3到16：9，將觀眾拉回到大銀幕

梁友瑄說，曾經的電影畫面比例是4：3，呈接近正方形，之後漸漸越來越寬，演變成如今的16：9，實際上是為了劃清與電視之間的界線。

“電視出現後，電影院流失了一大批觀眾。大家會認為，我可以在家舒舒服服看電影，為什麼要去影院？”

因此，電影工作者就思考，改變畫面的尺寸，改善觀影者的視聽享受。

“所有科技的發展，都是為了讓觀眾再次走入電影院。”

這也包括後來的3D、4DX、D-Box、ScreenX等等，均是為了區別影院和家中觀影的感受，帶給觀影者在家裡無法享受到的體驗。

“從黑白到彩色，從無聲到有聲，是他們（電影工作者）想要貼近人類視聽經驗的過程。”

她認為，科技是人生命的延伸，比如VR（虛擬實境，virtual reality）、AR（擴增實境，Augmented Reality）、MR（混合實境，Mixed Reality），甚至是XR（延展實境，Extended Reality）等技術，是考量如何還原人類真正的視聽感受。

“康城影展近年來就推出XR的單元，在探索國外的XR市場。（這些技術）為的就是沉浸式的體驗。”

懷念膠片時代的拍攝氛圍

早期的影視片是由膠片拍攝的，梁友瑄解釋膠片和數位的成像原理不同，前者是粒子，不同的膠片再經過不同的人沖洗，影像的質感會因沖洗藥水、曝光手法而異，比較具有生命力。

“後者成像方式是101010，所有的東西很精準。”

“（膠片）可能會有一點瑕疵，可是你知道這是很鮮活的。”

就像CD的歌聲和現場的歌聲，前者完美無瑕，後者可能會破音、跑調，一次性的藝術也許會有些殘酷，可是感染力卻是前者難以匹敵。

只是，隨著數位技術的發展，數位和膠片予人視覺觀感的些微差異還存在嗎？

“幾乎沒有。”資深攝像師陳偉團說。

這話一出口，頓時讓我有些愕然，好像跟我想像的答案不一樣？

他指出，現在的數位有辦法做出膠片感，而其實所謂的膠片感，是一種儀式感和浪漫主義。

儘管如此，他卻很懷念膠片時代。

“不是在觀影上，是在工作上。它（膠片）是很麻煩，沒有那麼方便，技術門檻高，可是也因此，整個工作現場的氣氛不一樣，所以我很懷念。”

他慨嘆，進入數碼時代之後，很多時候導演甚至沒想好怎麼拍，就已經開始拍攝，覺得不好才調整。

在膠片時代，導演一聲“開拍”，膠片轉動發出的“噠噠噠”聲，就意味著金錢開始燃燒，現場所有人全神貫注地投入眼前的工作，為同一件事進入高度集中的狀態，現場一片肅靜，氛圍格外地神聖。

“這種專注的氛圍，是我很久沒有感受過的了。”

膠片的溫度：讓電影人嚴謹對待拍攝

儘管數位已成為影視領域的主流，但這不意味著膠片失去存在的意義。

梁友瑄認為，經歷過膠片時代的影視工作者，其工作模式和思維與數位時代的人們有顯著區別。

“真正經歷過膠片時代的攝影師，拍攝前會做完所有測試再決定哪套方案，會相對嚴謹。他們知道自己資源有限，可能只有那麼一次機會。”

“現在則是‘拍了再算’，拍了一堆再慢慢挑，然後再交給後期處理，可是有一些是後期都救不到，因為前期沒有很好的拍攝計劃。”

另外，膠片的高分辨率以及格式的統一，只要保持得當，無論再老的電影也能通過掃描底片或膠轉磁技術修復，轉製成高清格式，這是膠片的先天優勢。

基努‧李維斯2012年推出的紀錄片《陰陽相成》（Side by Side）就膠片和數位之爭，邀請了許多知名導演、影視工作者探討交流。

其中《出租車司機》導演馬田‧史高西斯在影片中提到：“我所擔心的是現在大規模使用CGI，我們的年輕人也許不會再相信銀幕上的任何東西了。”

至今依舊堅持使用膠片拍攝電影，《盜夢空間》導演克里斯托弗·諾蘭認為，膠片成像的顆粒感是數碼影像無法複製的獨特魅力。

然而，他們卻無法阻止膠片逐漸沒落。

梁友瑄則表示，其實大家都知道膠片的發展已經到了頂點，而數位技術發展迅速，可能性無窮無盡，尚未看到盡頭。

“不妨用一個開放的態度去看各種新科技的進展，但不一定需要特別追捧它，而排斥舊的技術。”

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