叶伟章／剧场里的空间魔术师──专访当代日本导演小池博史

随着日本经济起飞，日本的文化输出也多了许多管道。1991年，Papa第一次受邀到英国的日本艺术节，此后即邀约不断，截至目前为止，小池博史的作品已在42个国家演出，跨国合作的作品则有17部。2011年，Papa剧团解散，我对此一直很好奇。“该年3月11日，东日本发生了大地震和大海啸，这是自然灾害，是无法控制的，但许多日本人都因此而觉得需要改变生活。当时的我也自问，如果一切从零开始，我可以做什么。”

小池博史说，这场灾难的影响很深远，至今仍有很多人无法回去故乡。

剧团解散后，他成立了Bridge Project，以个体户的形式重新出发、继续创作。“由于只有我自己一个人，因此很多想法更容易创造；但也因为只有自己一个人，执行上会变得更困难。”他说。

感性与理性的创作

小池博史近期最受瞩目的计划，莫过于印度史诗《摩诃婆罗多》（Mahabharata）的演出了。这部作品融合了亚洲多国的传统舞蹈、戏剧、美术、音乐以及影像等元素，制作期从2013年开始直至2021年，历时9个年头，共有8个演出片段。合作的艺术家来自不同的7个国家，制作地点分别是柬埔寨、印度、日本、印尼、泰国5个国家，并曾于10个国家公开演出，引起了极大反响。

2021年8月21日至23日，《摩诃婆罗多》于东京上演了“完整版”，演出历时6个小时半，并动用了7台摄影机录制成电影版，惟电影版目前并未公开贩售。

提起《摩诃婆罗多》，自然马上会想起剧场界里举足轻重的世界级导演彼得·布鲁克（Peter Brook）。他曾于30年前导演这部经典印度史诗，演出时长9小时，蔚为轰动。

小池博史的《摩诃婆罗多》，与彼得·布鲁克的有何不同呢？他笑着回答：“彼得·布鲁克是西方人，用的是西方人的逻辑思维；我用的是舞蹈、动作、音乐等元素，是很东方的方式，是属于感性的。如果用左右脑的使用来比喻的话，我的作品是以右脑为主的。”换言之，小池博史的作品更着重于感受。

是的，感受。以个人经验看小池博史的作品，重点并不在于故事线，而是演员身体与内在连接，视听冲击下的震撼，空间里如魔术般变化，是剧场里无法被取代的体验感。

而在这感性操作的背后，却是导演理性的编排，这点从他对时间与音乐的控制可见一斑。小池博史，是典型感性与理性并重的创作者。

时间‧空间‧身体

小池博史的作品一直难以被定位，依稀记得上世纪90年代在台北演出时，评论员将其定位为新兴形态的“表演艺术”；网上资料则多称为“舞蹈剧场”，也有人认为实验极强。他本人又如何看待呢？“我不会定位自己，所有的戏都需要有实验元素，那是基本，所以我也不会说自己是实验剧场。”

看小池博史，不期然就会想起亚陶——“残酷剧场”创始者，强调导演的调度功能、演员在舞台上身体与声音的运用，主张仪式性，并把文本的发挥降至最低。以上理念，似乎都与小池博史不谋而合。与小池博史谈亚陶，他显然极为认同这位来自法国的剧场先驱。他认为，剧场就是“时间、空间、身体”的艺术。

小池博史对剧场的看法与理论，在2017年出版的《新·舞台艺术论》里都有详述，遗憾的是，目前似乎未见中文译本。其著作尚有：2013年《からだのこえをきく》（倾听身体的声音）、2018年《夜と言叶と世界の果てへの旅》（夜与语言与世界尽头之旅）等。

“一般情况下，创作者在35岁以后就不太发展，会一直重复自己的风格。但我想成为冒险家，想要持续尝试、做我所没做过的。”今年67岁的小池博史说。于是他的创作之旅，仍在续航。

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