林佚／唱首情歌給誰聽
1974年，李逸出版〈唱首情歌給誰聽〉這首曠世經典，自此一曲成名。這首歌由丁咚（前《南洋商報》執行總編輯張賜興）作詞、李俊雄／作曲，歌詞如下：
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唱首情歌給誰聽／不知何處訪知音
我有深深的戀情／說不完訴也訴不盡
我閉上雙眼／盼望著有一天
心上的人兒來到我身邊／我要和他相愛到永遠
在六七十年代，馬來西亞一路從克難走到經濟起飛的年代，唱片業規模擴大，業者投資購置更好的錄音設備，品質鑱能提升，原創精神得到解放，新生代創作人投入“原創”風潮，為創意源頭注入新血，其中一些人成為之後本地中文流行樂發展的主要功臣，其中尤以與李逸合為“歌壇鐵三角”的丁冬與李俊雄最為人樂道，比如〈日落日升〉、〈等我那一天〉等等。
〈唱首情歌給誰聽〉極其厲害，和同時期的“校園民歌”〈答案〉一樣，創作人示範了一回“如何處理篇幅極短的歌詞”的高難度手法。〈答案〉為羅青名作，全詩只有兩個問句：
天上的星星 / 為何像人群一般的擁擠呢？
地上的人們 / 為何又像星星一樣的疏遠？
只有兩句歌詞的作品
這兩首作品，若是念出來聽，不用一分鐘就結束了，左看右看，它看起來不像是可以拿來唱的作品，又該如何變成一首歌呢？以〈答案〉來說，整首歌只用了木吉他、大提琴和小提琴作為伴奏，讓齊豫重複唱這兩句歌詞，共唱了3遍。第一遍，木吉他和絃音略事鋪陳，歌者兩句唱罷。第二遍，木吉他之外，大提琴和小提琴揚起，歌者的延長情感比唱第一遍時來得更激烈，顫音更多。第三遍時，歌者的感情稍微收斂，最後再唱一句“天上的星星……”全曲就收結了。
反觀〈唱首情歌給誰聽〉，歌曲長度是3分鐘8秒，比〈唱首情歌給誰聽〉多了5秒鐘。整首歌用了銅管、鼓和貝斯作為伴奏，讓李逸唱了3遍。第一遍，高亢的銅管樂和鼓的加入，恰似遊行隊伍的行進節奏，而貝斯並駕齊驅，卻不露鋒芒。來到副歌時，原本安分守己的貝斯忽然變得松活靈動、旋律豐沛、迸放氣場之強大，閉上眼，心臟也將隨之起舞。第二遍，銅管樂、鼓和貝斯依舊扮演相同的角色，只不過，跟第一遍相較之下，銅管樂的聲音雖然清亮不尖銳，卻稍微收斂，增添了一份落寞感。當樂迷以為李逸要唱第三遍時，他卻以唸詩的口吻，念起了歌詞，似足一句臺詞，深情款款地念起了獨白，在歌裡營造出戲劇效果，也算是由外向內的自問，接著他把副歌唱完，全曲結束。
畫龍點睛的效果
早期，這種“獨白”會在前奏、間奏穿插其中，為整首歌起了畫龍點睛的作用。我沒仔細探究誰是將“獨白”置入歌曲的第一人，但在我的聆聽經驗中，帶獨白的歌曲有黃耀明〈這麼遠，那麼近〉、林憶蓮〈赤裸的秘密〉、古巨基〈愛與誠〉（與周慧敏合唱版）、包娜娜〈醒來吧，蕾蒙娜！〉、李逸〈初戀詩〉等等。然而，現在的創作人似乎已不稀罕玩這一招了，是不是認為它老派過氣呢？
老實說，李逸這首歌，處理起來未必比〈答案〉複雜，但都是下足了真功夫的作品。你若先看歌詞，再聽歌，便能體會編曲人的苦心，也不得不佩服他的嚴密思考，成就了一首傳唱極廣的傑作。
2024年，距李逸車禍而死，已經44年了。我們再聽一次這首歌吧，唱給誰已經不重要了，對樂迷而言，那一首首的不朽的名曲，早已唱進了每個人的心裡，永遠難以忘記。
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百格视频
我想像大约45年前的美国观众，是用什么神态看着MTV（Music Television Video）正式开播。
映入眼帘的是世界第一艘太空船“哥伦比亚号”发射的倒计时和阿波罗十一号登月的片段影像，之后由创办人之一John Lack说的“Ladies and gentlemen, rock and roll”作为开场白，接着是Jonathan Elias与John Petersen制作的摇滚音乐响起，而登上月球的美国国旗成了不断变换图案的MTV旗帜，旁边则是宇航员Neil Armstrong。
关于MV的起源，纪录纷纭。有人认为，音乐录影带的雏形源自20世纪初，当年出版商发行的《The Little Lost Child》于歌剧院演出时，同时以幻灯机播放一连串附彩色手绘图片，描述歌曲故事且附上歌词，借此来推销单曲乐谱。Tony Bennett于1956年为了配合他的歌〈Stranger in Paradise〉而拍摄的影片，于英美电视节目播放，彼时流行乐坛尚未有music video一词，却有人认为这是第一支音乐录像。有人认为，Queen于1975年为旷世经典〈Bohemian Rhapsody〉所制作的宣传影片，才是第一支真正的MV；第一个将音乐影片称之为music video的人是美国摇滚歌手Jiles Perry Richardson，当时他接受英国杂志专访时，宣传自己的歌〈Chantilly Lace〉脱口而出的词，自此流行乐坛开始使用这一词来称呼音乐录影带。
拿早期的电影片段选粹，或零星制作的短片比较，20世纪初的影像功能属于广告宣传，直到六七十年代，打歌宣传片或为电视节目而制作的音乐影片，开始有了展现艺人形象、传达歌曲理念等功能。比如，1964年英国合唱团The Moody Blues推出他们在棚内演唱〈Go Now〉单曲的MV，影片内容包括乐团表演、个人特写、5人一字排开唱歌的头肩部画面等，这些画面交错与叠合的呈现，算是早期MV常见的技术。1965年The Beatles拍摄了〈We Can Work It Out〉MV，一开始只有团员在棚内对嘴演出的片段，后来影片加入了电影拍摄的技法，比如慢动作、回放、灯光效果、特殊运镜，甚至在后制阶段运用色彩滤镜等。后来The Rolling Stones乐团的〈We Love You〉MV走出棚外，MV不只是录下乐团在录音室的忙碌景象，也穿插搞笑的法庭审判场景，展现出MV场景以外的素材。
70年代后，影像设备日趋成熟，唱片公司意识到MV在歌曲宣传上能造成的影响力，开始思考如何利用新媒介来行销歌手，便决定砸钱去制作，而过去不少只专注于执导电影、电视剧或纪录片的影像创作者加入行列（比如David Fincher、Spike Jonze等人），思考如何在短时间内突出歌手形象，同时又能与歌曲本身的节奏以及歌词的内容达到完美结合，于是拍摄MV的手法变得多端，特效愈来愈多，内容形式也从一开始单纯的唱、跳、演变成有动画、剧情、宣扬立场等等。这个改变固然是一种冲击，象征音乐结合影像的革命终于到来，也意味着音乐销售模式会随之产生质变。MTV的出现，无疑是推波助澜的重要因素之一。
从“听音乐”走向“看音乐”
七八十年代，网络不发达，美国听众只能透过广播电台来接收新歌资讯，电台DJ全权决定什么歌曲值得推荐给歌迷，而通常被推广的作品往往有比较高的几率走红，亦能带动唱片营销。自从MTV开台之后，反而是在电视台被介绍的歌曲，或唱片全数大卖。MTV开始播放的第一支音乐录影带当时只有新泽西州可以收看，是The Buggles乐团现场演出的〈Video Killed the Radio Star〉，而这首歌的MV正式发布后，观众可看见一个小女孩把耳朵靠在收音机上，在唱第一段副歌时，收音机被炸毁，而小女孩被传送到一个带有未来感的世界，一个由电视主宰的地方，意味着人们从“听音乐”走向“看音乐”的时代，让偶像身体成为一种流行符号，有研究指出：“其与现实中偶像本身的指涉具备了脱离的可能性……偶像的眼神、肢体都成为可被操弄的影像符号，而操弄此符号的行销策略则成为偶像身体意义多元与否的关键”。
反观中文流行乐坛，早期都误用“MTV”来称呼音乐影片，甚至租用光碟片的小包厢观看场所也被称之为MTV，其实就是深受MTV电台的影响。大约千禧年之后，才逐渐把音乐影片改成MV。1990年，第一届金曲奖颁奖典礼设立了“最佳单曲歌唱录影带影片奖”，来到第8届至第10届一度取消该奖项，原因不详，到了第11届又恢复并改名为“最佳音乐录影带奖”，2021年第32届起又更名为“最佳MV奖”。实在很难明确说出第一支中文MV是哪首歌，目前可找到台湾歌坛第一支MV是刘文正的〈飞鹰〉。然而，跟西方国家相较之下，中文音乐录影带一开始都提供给KTV、卡拉ok市场，多数都像“伴唱带”一样有大量的“对嘴演唱”的画面，不过与西方MV的相似之处在于很多MV已经是可以独立音乐之外的另一项艺术作品，利用不断进化的摄制技术，把MV提升到另一个境地，催生出许多了不起的导演，比如比尔贾、陈奕仁（仙草影像）、黄中平、殷振豪等。许多年后，MTV逐渐没落，YouTube自2005年崛起后，MV有了一个更为自由观看、不受时间和地域限制的平台，让许多数据都不能忽略YouTube观看次数，将其视为“流行”的计算指标之一。
谈了MV历史，下一篇将为读者整理出不同时代一度震惊四座的MV代表作与风格。
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