林佚／如何定義“本地創作”？

用一句話概括描述“本地創作”一詞，估計是音樂一響，聽眾便知道這首歌從何而來。

以〈麻坡的華語〉為例，歌詞以“語言沒有標準性／只有地方性”及“為什麼去KL學人家講廣府話／就以為自己真的真大支”主張地方性語言，頗有意思。這就是音樂與本土文化的關聯。另外，歌詞也會引用日常對話或對罵，比如“steady bom bibi”和“玩玩啊你以為”，讓Dissy低清的〈山頂黑毒蛇〉和〈Bro！新年不要玩〉更貼近我們表達自己的方式。

繼續說〈山頂黑毒蛇〉，比如歌詞裡用“吊水”這個詞，意思是“叫兄弟”，已經說明了這首歌與“私會黨”有關，其中有幾句像“一路lap進你心裡”、“你現在要中是嗎”等等，句子結構其實很有“本土味”。當提到“本地創作”的時候，這樣的嘗試是什麼？內容很容易受到批判，但關於“字”本身，音樂可以發揮什麼功能，都可以是本土性的討論。

究竟我們定義的“本地創作”是指創作人源自馬來西亞、是將不同語言置入歌詞，還是把大馬人說話的腔調口氣融入演唱中，還是題材要和社會形態相關？其實可以從不同的切入點去探討，也有不同的標準詮釋“本地創作”一詞。

馬來西亞在過去幾十年，政治環境與社會經歷翻天覆地的改變。連續的殖民統治、工業化、社會轉型都反映在流行音樂上，在1987年這個重要的節點，懂的人都知道，這是“激盪工作坊”成立的年份，開啟了本地樂壇的新篇章。當年，稍具規模的唱片公司提升錄音設備，音樂人無需遠赴新加坡錄製歌曲，港臺與馬來西亞的流行文化相互交融，馬來語、泰語、印尼語等歌曲，與中文、閩南語、粵語流行曲交互翻唱，原創精神迸發，本地創作人的作品開始被外國歌手採用，長期下來，無論曲風、歌詞敘事及語言質感，都稀釋了港臺風，調整成迎合廣大市場的樣子。即使如此，馬來西亞還是有“本土性”較重的創作歌手，或許他們意識到自己的文化越來越同質化，許多元素被市場規範，於是想把自己對城市的觀察擺在歌裡面，1997年阿牛第一張專輯《城市藍天》，開場曲〈城市藍天〉是離開故鄉到大城市打拼的青年創作，“大廈一棟又一棟的出現／不停擠向天／我站在這片陌生的土地上面／我有一種慌恐的感覺／我感到自己被時代狠狠地推向前”，這是歌者因故鄉環境變化而產生劇烈的心理轉折。

“本地創作”從哪裡來？

想想看，“本地創作”一詞從什麼時候開始？由哪裡來？動盪時代，遠渡重洋到馬來亞謀生的華人，對“祖國”的情感認同，隨著抗日運動而深化，紛紛加入抗戰行列，那時候的人民思考，可能以“祖國”為主，後來第二三代開始融入當地社會，直到1957年馬來亞獨立，我們才開始對自己的身分有新認同。於是“本地”二字不再侷限於“反同質化”，也是一種“位置”的象徵。韓國、日本、香港的音樂受外國媒體關注，才會有英文寫出來的“K-POP”、“J-ROCK”和“CANTONPOP”。在臺灣校園民歌流行文化的入侵，香港電視主題曲的進軍，加上新加坡的“新謠風”，三面夾攻，本地唱片工業面臨巨大的挑戰，當我們開始擔心某些東西消失，就會想確立某些東西，就更清晰我們現在擁有什麼，於是出現“本地創作”一詞。久而久之，“本地創作”卻變得廉價，甚至變成一個貶義詞，這是為何？

三年前，讀到州議員王詩棋的著作《從“午夜香吻”到“麻坡的華語”——大馬華語流行歌曲中的身分建構》，其中一節內容引用了1998年林悅在星洲日報發表的文章〈毀滅本地創作〉：

“如果我們能把本地創作這個名詞拋棄掉，本地中文樂壇也許會邁前一步！……為了使歌曲本土化及富親切感，於是把一些日常慣用的詞彙，如Roti Canai、茨廠街、Mamak檔等字眼放進歌詞裡頭，這是一種很狹隘的做法，而且沒有什麼音樂想像空間……我們應該是透過音樂表達或詮釋我們的思想及文化，而不是透過物體來告訴別人我們有什麼東西……高喊本地創作是沒有創意的，頂多得一點同情分，而且很多時候也是一種換湯不換藥的手法，曲風還不都是千遍一律的港臺品種嗎？”

相當粗暴且刻薄的評論。文化從泥土裡長出來，我們立足於這片土地生長，離不開這裡的根源。當一個人創作時，他不會去想作品有沒有足夠的“本土味”，即使編曲元素偏向西方，但中間有一部分東西是有“本土意識”，另一部分是能和外面世界鏈接的。這樣看，反而比較客觀。任何一首來自中國的歌，我們不能說那是“中國風”吧，這就是尋找“本土味”的反效果。

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